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lunes, 29 de julio de 2013

Las notas musicales y los acordes, breve introducción teórica



 

Las notas musicales en el teclado del piano
Existen siete notas musicales que son, Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si, que en la notación americana son denominadas, C, D, E, F, G, A y B.

El conocimiento de las notas musicales y su lógica de formación, son básicas para poder llegar a tocar cualquier instrumento musical, bien sea una guitarra, un violín, un bajo o una simple armónica dado que nos llevará a una mejor comprensión del funcionamiento de cualquiera de ellos.

La unidad básica armónica, el semitono

Sin entrar en detalles demasiado complejos, podemos definir el semitono como la distancia menor que existe entre dos notas por contraposición al tono, que es la distancia máxima entre éstas y está formada por dos semitonos.

Para una representación más gráfica, el semitono es la distancia que encontramos entre un traste y el siguiente en una guitarra o entre dos teclas de un piano.

Trasladando lo dicho a las notas musicales, cabe decir que entre una y la siguiente, existe un tono de distancia, excepto de Si (B) a Do (C) y de Mi (E) a Fa (F) donde sólo existe un semitono.



Las alteraciones sobre las notas básicas: sostenidos y bemoles

Una vez conocidas las distancias entre las notas, hay que hacer referencia a los sostenidos y los bemoles que son alteraciones de las siete notas naturales.

Como primer acercamiento cabe decir que una nota bemol baja un semitono la nota natural, mientras que un sostenido la eleva.

La representación gráfica para el bemol es una b al lado de la nota y de un sostenido es #.

Como ejemplo práctico para una mejor comprensión tomemos la escala natural de Do, teniendo en cuenta las distancias de tonos y semitonos entre sus notas que sería como sigue:

Do -1 tono - Re - 1 tono- Mi -1/2 tono - Fa - 1 tono- Sol -1 tono- La - 1 tono- Si

Esta es la escala básica que comienza en Do, pero imaginemos que queremos construir una escala comenzando en Sol.



Tablatura de guitarra con notas naturales
Para ello hemos de mantener el esquema de distribución de tonos y semitonos, pero si nos fijamos, entre Mi y Fa, debería haber un tono a pesar de que hemos dicho que esas notas están separadas por un semitono.

Aquí es donde entran en juego los sostenidos, ya que hacemos un Fa# subiendo medio tono la nota y aumentando la distancia entre Mi y Fa.

Gráficamente quedaría de la siguiente manera:

Sol -1 tono- La - 1 tono- Si -1/2 tono- Do -1 tono - Re - 1 tono- Mi - 1 tono - Fa#

El caso de los bemoles es similar y su representación gráfica en una escala iniciada por Fa sería:

Fa -1 tono- Sol -1 tono- La - 1/2 tono- Sib -1 tono- Do -1 tono - Re - 1 tono- Mi




La construcción de acordes

De modo muy básico, definimos el acorde como la ejecución de tres o más notas tocadas simultáneamente.

Se pueden observar de forma clara si contemplamos a un músico tocando una guitarra, cuando con su mano izquierda adopta determinadas posiciones en el mástil y rasguea con su mano derecha varias cuerdas a la vez; eso es un acorde.


Las notas musicales


En todo acorde, existe una nota tónica que marca el tono del mismo y las distancias entre las notas del acorde o intervalos.

Existen acordes mayores y menores siendo su definición:

1. Ac
orde Mayor: existe como norma básica, cuando la diferencia entre la nota tónica y su tercera es de dos tonos. Por ejemplo el acorde mayor de Do, se construye con las notas Do (tónica), Mi (Tercera) y Sol (Quinta); así la distancia entre Do y su tercera Mi, es de dos tonos.

2. Acorde Menor: siendo muy simplistas, es aquél que entre su nota tónica y su tercera tiene un tono y medio. Así el acorde menor de Do se construye con un Do como nota tónica, un Mib como tercera y un Sol como quinta.

Hay que tener en cuenta que la explicación que antecede es básica y rudimentaria siendo mucho más compleja y portando variados matices, tanto la
construcción de acordes como la teoría armónica, pero con estos primeros conceptos se puede llegar a una primera toma de contacto con la teoría musical.


 



 




domingo, 28 de julio de 2013

Charlie Christian. El primer gran guitarrista eléctrico.



Charlie Christian
La vida de Charlie Christian se inició un 29 de julio de 1916 en Bonham, Texas (EE.UU) y creció con la influencia de su padre, Clarence Henry Christian, un guitarrista y cantante de blues muy respetado por la comunidad.
Tanto él, como sus dos hermanos mayores (Edward y Clarence) fueron iniciados en los arcanos de la música desde su más tierna infancia.



Inicios en la música de Charlie Christian
Sus comienzos como músico, fueron ayudando a su padre en conciertos callejeros donde junto con sus hermanos, ofrecía improvisaciones de baile.
 
No fue hasta los 12 años, cuando con la muerte de su padre, decide empezar a utilizar la guitarra que éste le había dejado en herencia.
Charlie compaginó sus actuaciones con sus estudios en la Douglass School de Oklahoma, donde su profesora y también música Zelia Breaux contribuyó a la formación del joven Christian.
Desarrollo de su habilidad musical
En su adolescencia comienza a colaborar con diversos grupos locales, entre ellos el formado por sus hermanos junto con el pianista Alphonso Trent donde toca el contrabajo.
Durante este tiempo sus hermanos le enseñaron técnicas de improvisación en la guitarra sobre tres únicas canciones muy conocidas de la época, Tea for Two, Sweet Georgia Brown y Rose Room consiguiendo un dominio absoluto de los temas en muy poco tiempo.
El virtuosismo del joven Charlie se destaparía al participar en 1936 en una "jam session" en Kansas, donde no sólo deja sorprendido al auditorio, sino que derrota a los demás guitarristas, entre los que se encontraba el considerado mejor de la época, el gran Jim Daddy Walker.
Inicios con la guitarra eléctrica
El contacto inicial con la guitarra eléctrica que marcaría a Charlie Christian y con ello a la historia del Jazz, tiene lugar en 1937 cuando conoce a Eddie Durham, el primer músico que utilizó la guitarra amplificada en la grabación del disco con la Jimmi Lunceford's band en 1935.
A partir de ese momento Charlie se dio cuenta de las posibilidades sonoras que ofrecía este nuevo tipo de instrumento y se dedicó día y noche a desarrollar su sonido, creando fraseos que artistas posteriores como Wes Montgomery, Herb Ellis o Kenny Burrell utilizaron con profusión en sus composiciones.
Consagración como músico
En 1939, Charlie entra a formar parte de la orquesta de Benny Goodman después de que se lo presentase el cazatalentos John Hammond, descubridor entre otros de Bob Dylan o Aretha Franklin.

Christian, a pesar de las reticencias iniciales de Hammond, decide demostrar sus dotes a la guitarra interpretando la canción Rose Room e improvisando sobre ella durante una actuación que duró 48 minutos en el restaurante Víctor Hugo de Los Ángeles.
La unión entre Goodman y Christian logró llevar el Jazz a otro nuevo status dando a la guitarra una influencia predominante sobre las composiciones.
En 1940, Charlie ya era considerado uno de los mejores guitarristas de Jazz, tanto es así que en febrero de ese mismo año fue elegido por los lectores de la revista especializada en Jazz, Metronome Magazine, para formar parte de los Metronome all-stars, donde se elegía a los mejores músicos de cada instrumento para realizar una grabación en estudio.
Asimismo, Charlie compaginaba sus actuaciones con la orquesta de Benny Goodman, con la participación en jam sessions en el Minton’s Playhouse de Harlem, donde él y otros músicos dejaban fluir su creatividad sobre el escenario transformado de múltiples maneras el lenguaje del Jazz. En estas sesiones, surgió el nuevo sonido del Jazz, llamado Be-Bop, del que Christian fue uno de los precursores y que alcanzaría fama de la mano de Charlie Parker y Dizzy Gillespie en los años 40.
El final de Charlie Christian
Charlie dedicaba completamente su vida a la música, de tal manera que su único interés se centraba en tocar, componer e improvisar.
 
Este estilo de vida junto con una alimentación deficiente, llevaron a su fallecimiento el 2 de marzo de 1942, cuando sólo contaba con 25 años, como consecuencia de la tuberculosis que había contraído durante la infancia.


Influencias de Charlie Christian
Django Reindhart, influencia de Charlir Christian
Las influencias de Charlie Christian a la hora de tocar la guitarra la constituyen músicos como Lester Young y Herchel Evans porque su intención era conseguir que la guitarra sonase como un saxo tenor, por ello se alejaba de los guitarristas de la época como Django Reindhart y trataba de desmarcarse de su forma de interpretación de la música.
Su idea era que la guitarra pasase de ser un mero instrumento de acompañamiento para convertirse en uno solista marcando su propio protagonismo dentro de las bandas de Jazz. Su prematura muerte no ha impedido que su estela sea seguida y se reconozca su legado en grandes guitarristas como Oscar Moore, Les Paul, Wes Montgomery o Chuck Berry.
Chuck Berry fue influenciado por Charlir Christian
Pero su huella no sólo se aprecia en el mundo de la guitarra, sino que otros músicos como Charlie Parker o Thelonius Monk han reconocido que su estilo bebe de las fuentes del gran Charlie Christian.
Si en una carrera profesional que realmente sólo duró dos años, desde su incorporación a la orquesta de Benny Goodman, Christian fue capaz de sentar las bases de nuevas formas de entender la guitarra y la música Jazz, siempre quedará la frustración  de que nunca llegaremos a saber hasta donde hubiera podido llegar, si la muerte no lo hubiera reclamado tan pronto.

jueves, 25 de julio de 2013

El primer grupo de Rock de la historia y la primera canción


Rocket 88, la primera canción ROCK
Los primeros intérpretes de Rock se configuraron como músicos solistas con bandas de acompañamiento, pero la estructura de la música Rock consolidada y adoptada aún en nuestros días, pasa por la formación de grupos cohesionados donde todos los componentes tienen su relevancia tanto en la formación de la música como en la adopción de un estilo propio.
Estructura de una banda de Rock
1. Voz: suele ser el centro de las composiciones, de tal modo que el resto de los instrumentos servirán de acompañamiento de la misma.
2. Guitarra eléctrica: da apoyo armónico a la música. Puede existir más de una guitarra.
3. Bajo: forman la base rítmica junto a la batería.
4. Batería.
5. A estos instrumentos en ocasiones se les añaden secciones viento, teclados o sintetizadores, en función de la complejidad de la música o las necesidades de su composición y ejecución, pero manteniendo siempre el esquema básico señalado.

Características de la música Rock
Elvis Presley, la figura más conocida del ROCK
La música Rock como tal, comienza a tener relevancia a finales de la década de los años 40 y sobre todo a comienzo de los 50.
Su característica principal es la fusión de los géneros más populares de la época, como el Blues, Rhythm and Blues, Country, Gospel, Jazz y Folk.
La pretensión de los pioneros del Rock fue llegar a un público cada vez más amplio combinando los géneros existentes sobre una estructura musical de doce compases basada en el Blues y generando sonidos pegadizos y bailables.
Se trataba de alejarse de la seriedad de géneros como el Jazz para acercar la música a la gente joven que podía ver en los ritmos frenéticos y bailables, un reflejo de su propia rebeldía y de sus ganas de diversión.
Las primeras bandas de Rock de la historia
Con estas características, si bien es complicado establecer cuál fue la primera banda musical que responde al género del Rock, se pueden dar dos nombres, puesto que una vez escuchados sus discos nos damos cuenta de que en ellos existe la energía y las raíces del primer rock.
Estas bandas serían:
1. Jackie Brenston & his Delta Cat. Su grabación entre el 3 y el 5 de marzo de 1951 de la canción Rocket 88, marca según muchos el inicio de la música Rock.
Ya se pueden apreciar los primeros compases típicamente Rock, la alegría, los ritmos bailables y las melodías que se repetirán hasta la saciedad en la música de Elvis Presley, Gene Vincent o Roy Orbison.
Es el siguiente enlace podemos escuchar la canción 'Rocket 88'.
 
2. Louis Jordan and his Tympany Five. Su canción 'Caldonia', grabada en 1945, comienza a establecer las bases de la música Rock.
Dicha composición fue en un principio relegada al olvido dándose más importancia a 'Rocket 88', pero maestros de la talla de B.B. King o Muddy Waters la recuperaron y versionaron de modo continuo.
En sus líneas melódicas se aprecia la verdadera base de lo que más adelante se llamaría Rock.
La primera banda de Rock reconocida de la historia. Bill Halley and his Comets

Bill Haley and The Comets

Si bien, tanto las bandas de Jackie Brenston como de Louis Jordan pueden considerarse las pioneras del Rock, no fue hasta 1954 cuando un grupo alcanza el verdadero reconocimiento a nivel internacional, y sería Bill Haley & his Comets.
Su gran éxito 'Rock Around The Clock' fue la primera canción del genero Rock que alcanza el número 1 en la lista de ventas de los Estados Unidos y sus acordes fueron exportados a todo el mundo.
También supuso el acercamiento del género a la población blanca, ya que hasta ese momento y en parte debido a las raíces de las que provenía, el Rock era básicamente negro.
Así que quizá ‘Caldonia’ o ‘Rocket 88’ fueron las verdaderas canciones que iniciaron el Rock, pero ‘Rock Around the Clock’ fue el tema artífice de la propagación de un nuevo estilo musical que ha ido evolucionando a lo largo de los años y diversificándose en géneros tan dispares como el Pop o el Heavy Metal, sin perder nunca sus verdaderas raíces.

miércoles, 24 de julio de 2013

Chuck Berry, la figura más influyente en el Rock and Roll



Chuck Berry, de profesión peluquero, marcó la historia del Rock ´n Roll y hay quien considera que su Maybellene inició y popularizó para siempre el género.
La fecha y el lugar de nacimiento de Charles Edward Anderson, más conocido como Chuck Berry, nunca ha sido correctamente determinada, pues el genio, siempre desconfiado y poco dado a las entrevistas, ha contestado en diversas ocasiones a la prensa con un, "eso es personal y no le importa a nadie", a pesar de lo cual se barajan dos fechas, el 18 de octubre de 1931 en Saint Louis, Missouri y el 15 de enero de 1926 en San José, California.

De todos modos, siguiendo sus palabras, la fecha y el lugar carecen de relevancia, pues su música y su personalidad nos cuentan mucho más que una fecha y un lugar de nacimiento, y es que Chuck Berry, ya es una leyenda de la música y del Rock and Roll.

Chuck Berry, artista y músico desde sus orígenes

Con 6 años, Chuck Berry participaba en el coro de la iglesia y ya con esa edad sentía la necesidad de crear sus propias melodías y armonías apartándose de las líneas convencionales.

Desde sus primeros años escuchaba e interpretaba música Blues, muy enraizada en la cultura afroamericana de la época, siendo sus principales referencias T-Bone Walker, Carl Hogan o B.B. King, aunque también se interesaba por el Jazz, sobre todo de la mano de Charlie Christian a quien siempre ha citado como uno de sus referentes.
Pero a pesar del interés por la música y de tocar la guitarra desde antes de entrar en la adolescencia, Berry no se tomó en serio dicha afición hasta que Joe Sherman, un músico de Rythm & Blues le regaló a principios de los años 50 la que sería su primera guitarra eléctrica, una Kay.

A partir de ese momento comenzó a dedicar más tiempo a su guitarra, fundando el Chuck Berry Combo, pero compaginándolo con su trabajo de peluquero, que solo abandonó cuando consiguió el primer pago por un contrato de grabación.

El salto a la fama de Chuck Berry
 
El momento en el que un joven Chuck cambió su vida para siempre ocurrió en 1955, cuando un afamado
Muddy Waters permite, ante la insistencia de Berry, tocar una canción con su banda.

Muddy no sólo se queda impresionado con el joven Chuck, sino que le insta a que con una recomendación suya, vaya a hablar con
Leonard Chess, director de la Chess Records de Chicago.

Berry acudió con una cinta con seis canciones y el sueño de convertirse en un cantante y guitarrista de Blues, pero Leonard Chess vio un potencial superior en uno de los temas, "
Maybellene", que aportaba un sonido más fresco combinando elementos del Country con un Blues más ágil y rápido que el convencional.

El artista y la compañía llegaron a un acuerdo, lanzando "Maybellene" como cara A de un single y consiguiendo que el tema alcanzase una trascendencia que superó las expectativas de Chess Records, al ser la primera canción del sello y una de las primeras de la historia que accedía a un mercado blanco, que hasta entonces vetaba o no prestaba atención a la música hecha por afroamericanos.

Además "Maybellene", ya incorpora todos los elementos del Rock, adelantándose un año al famoso "Heartbreak Hotel" de Elvis Presley y marcando un antes y un después en la música popular.

A partir de ese momento, su carrera siguió una línea ascendente solo enturbiada por varios problemas legales que le llevaron a pasar temporadas en prisión, pero durante las cuáles siguió componiendo algunos de sus grandes éxitos.

La influencia de Chuck Berry en el mundo de la música
 
Chuck Berry, siempre ha tenido un carácter difícil, así como una carrera interrumpida por sus entradas ysalidas de prisión, pero lo que es indudable es que su contribución a la historia del Rock and Roll, es la mayor realizada por un sólo individuo.

Temas como "Johnny Be Goode", "Sweet Little Sixteen", "Roll Over Beethoven" o "Route 66" exceden la categoría de clásicos del Rock, para convertirse en verdaderas obras maestras sin las cuáles la música actual no sería tal y como la conocemos.

Grandes maestros de la música y tan dispares como The Beatles, The Rolling Stones, AC/DC, Iron Maiden, Elvis Presley, Bruce Springsteen, Elton John o The Sex Pistols, han versioneado sus temas y reconocido en diversas ocasiones que la música de Chuck Berry es una constante y un referente a la hora de componer e interpretar sus propios temas.

Es considerado en la actualidad la figura más influyente de la música Rock, llegando el propio John Lennon a decir de él, "si se tratase de dar al rock and roll otro nombre, podrías llamarlo Chuck Berry".

Y no sólo su música o su forma de tocar la guitarra han influido en las generaciones posteriores, sino que su forma de moverse por el escenario denominada "andar de pato" (duckwalk) fue adoptada por el mítico guitarrista de la banda AC/DC, Angus Young, siendo esta forma de actuar fruto de la casualidad, pues el propio Chuck reconoce que la utilizó por primera vez en 1956, como una manera de disimular las arrugas del traje que llevaba en ese momento sobre el escenario.

Actualmente Chuck Berry deleita de vez en cuando al público con alguna actuación en directo acompañado por su mítica guitarra
Gibson ES-335, desplegando sobre el escenario ese ansia de entretenimiento y esas ganas de divertirse y divertir al público que lo han caracterizado desde sus primeros temas y que lo convierten en una de las grandes leyendas vivas de la música popular.

Quique González, el cantautor rockero de mirada triste y tímida y su DELANTERA MÍTICA


 
 
Quique González, músico de guardia, artista sincero y comprometido con la calidad de su obra, mirada triste heredera de Antonio Vega o Enrique Urquijo.
Quique González. Sentimiento en concierto
  Quique González (Madrid 1973) podría pertenecer a la generación de cantautores que como Ismael Serrano o Javier Álvarez, comenzaron a despuntar en la década de los 90 en un Madrid abarrotado de una nueva ola de músicos concienciados con la realidad del momento y herederos del Bob Dylan de "The Times They Are a-Changin", aunque Quique decide huir de las etiquetas e iniciar un camino propio presentando un trabajo más cercano al Dylan de "Like a Rolling Stone", con la incorporación de sonidos eléctricos herederos del Rock, haciendo girar sus letras en torno a la declaración de intenciones de un de un artista que quiere hacer buenas canciones.
 

Quique González. músico de vocación
 
Quique González, el músico de guardia

Sus primeras incursiones en el mundo de la música, le llevaron a tocar en diversos locales madrileños como El Rincón del Arte Nuevo, donde conoció y compartió escenario con Enrique Urquijo.
Fruto de esa amistad, Quique compuso para el cantante de los Secretos una de las más bellas baladas Pop en español, "Aunque tú no lo sepas", incluida en el segundo álbum de Enrique Urquijo y los Problemas, Desde que no nos vemos (1998).

Pero el punto de inflexión lo marca su amistad con su profesor de guitarra,
Carlos Raya, uno de los mejores guitarristas españoles y colaborador habitual de M-Clan y Fito y los Fitipaldis.

Carlos Raya, produce y colabora como músico en su primer disco, Personal (1998), compuesto por canciones marcadas por sonidos Rock, guitarras eléctricas y unas letras adecuadas al momento que Quique vivía en ese entonces.

Experiencias de un músico peleando por hacerse un hueco, son narradas en temas como "Personal", "Músico de guardia" o "De tanto que lo intenté", mezclados con recuerdos y añoranzas en canciones como "Se nos iba la vida" o "Cuándo éramos reyes" que muestran la rabia y el sentimiento de un artista que abandona la adolescencia, sin tener un destino claro que alcanzar.

Quique González, la madurez de un artista

A pesar de la calidad de su primer álbum, la escasa promoción del mismo y las bajas ventas, hacen que se rescinda su contrato con la discográfica Polygram.

Pero el músico siguió componiendo y gracias al apoyo de Carlos Raya, graba nuevo material en la casa del guitarrista, presentándolo a su antigua discográfica que decide volver a contar con él.

En 2001 se edita su segundo álbum, Salitre 48, compuesto por 16 canciones, prácticamente sin arreglos, donde comienza a verse la evolución en el sonido y las letras.


 
La madurez del músico y sus referencias literarias a poetas como Bukowski o Luís García Montero, son patentes en sus canciones, que en un formato más acústico nos acercan al universo de un artista tímido pero con mucho que decir.

En 2002 aparece su tercer álbum, Pájaros Mojados, que sigue la evolución de su sonido, incorporando secciones de viento, dando mayor protagonismo al piano y acercándose al Soul y al Jazz.

Quique, sobre el escenario, defiende sus canciones y se aleja del sonido y los temas de Personal, pues su madurez como músico le lleva a explorar otras sendas.



Quique González, el compromiso con la música

 
Quique González, el músico comprometido
Si algo caracteriza a Quique González es su necesidad de libertad a la hora de componer lo que le ha llevado a tener problemas con las discográficas.

Así en 2003 pide la carta de libertad a Universal Music y con el título de Peleando a la contra inicia una serie de conciertos en solitario, desnudos e intimistas, acompañado por su guitarra su armónica y su piano, reivindicando al músico artesanal y auténtico, frente a la fiebre comercial que por aquél entonces había desatado el fenómeno de Operación Triunfo, que trataba a la música como un objeto de consumo separado de su verdadero valor artístico.

Los conciertos dan lugar a la creación de un sello discográfico propio, Varsovia!!!, con el que edita su álbum, Kamikazes enamorados, que recoge el espíritu de la gira con canciones con escasa instrumentación, letras melancólicas y un ambiente íntimo que, como expresa el propio músico, "Quería hacer un disco lo más puro y hondo posible, hacer algo casi de raíz, orgánico, que sonara la madera del violín, la respiración, las palabras”.


En 2005 aparece La noche americana, un disco donde vuelve a retomar el sonido eléctrico del principio de su carrera pero con una concepción más madura, viéndose su gusto por artistas como
Ryan Adams o Neil young.


El reconocimiento de Quique González por el mundo de la música


En 2006, cansado según sus propias palabras, de realizar labores ajenas a la música a que le obligaba el hecho de tener una compañía como Varsovia!!!, hace que vuelva a fichar con una discográfica, en este caso, Dro Atlantic.

El primer álbum editado con la nueva compañía es un disco en directo, Ajuste de Cuentas que repasa su carrera y en la que colaboran grandes nombres del mundo de la música como Enrique Bunbury, Iván Ferreiro, Jorge Drexler o
Miguel Ríos.

A partir de este álbum, Quique comienza a ser un referente y una figura respetada y reconocida de la música en castellano, ejerciendo su influencia incluso en países latinoamericanos donde sus seguidores se cuentan por millares.

En 2007 publica con Warner, Avería y Redención #7, que recibe elogios de la Revista Rolling Stone que lo considera el mejor álbum del año y que eleva al músico a la categoría de mito, permitiéndose el lujo de abrir uno de los conciertos que Bob Dylan dio en Jaén.

Su penúltimo trabajo, Daiquiri Blues aparecido en 2010, es un disco autofinanciado por el artista que volvió a romper con su compañía discográfica.

El álbum fue grabado en Nashville y continúa en la senda de un Rock clásico al estilo de Jonnhy Cash, sin perder su vena intimista, que ya es un sello propio del autor.

La consagracción de Quique González como músico llega de la mano de Delantera Mítica
 
En 2013, Quique vuelve a recurrir al productor Brad Jones y a los estudios "Alex the Great" en Nashville, para alumbrar el que es su último trabajo, Delantera Mítica, un álbum en el que destaca una cuidada producción y un sonido casi perfecto.
 
Quique González vuelve a sorprender con un disco en el que conjugan temas de contenido social a los que el cantautor no es ajeno, como "donde está el dinero" en el que la rabia se manifiesta en acordes duros de guitarra, con baladas delicadas y tristes como "Dallas-Memphis".
 
El primer single publicado de Delantera Mítica, "Tenía que decírtelo", adelanta cuál es el sonido buscado por el artista, ya que mezcla ciertos toque country americanos con su propio e inevitable estilo.
 

Sin duda
Quique González, es uno de los máximos referentes de la música de calidad en castellano, que prefiere perder público y éxitos, antes que renunciar a su integridad y a componer grandes canciones.