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miércoles, 6 de noviembre de 2013

El nacimiento de la música. Los primeros instrumentos musicales.


flauta
paleolitica 
 
Nadie conoce con exactitud el momento en que nació lo que conocemos como música, pero existe una correlación entre la misma y la necesidad que ha acompañado siempre al ser humano de expresar sus emociones o sentimientos. Se cree que las primeras expresiones musicales surgieron, o bien de la necesidad de imitar el sonido de los animales que los rodeaban a fin de comunicarse con ellos, o bien como un modo de establecer relación con los dioses a los que veneraban. 
Esta suposición parte de la base de que la narración del origen de la música en todas las culturas, de las que tenemos constancia, dota a ésta de una naturaleza divina. Así por ejemplo, en la tradición griega se considera al dios Hermes como transmisor de la música al ser humano, o en la cultura nórdica es Heimdall su dios guardián, el que la acerca mediante el uso de un cuerno musical llamado, Gjallarhorn. Las tradiciones y leyendas, se repiten a través de todas las culturas, otorgando carácter divino a la música y configurándola como un lenguaje con el que comunicarse con los dioses.  

El primer instrumento musical: el cuerpo humano

A pesar de no poder tener constancia de este extremo, dada la imposibilidad de encontrar evidencias arqueológicas, se sospecha que el primer instrumento utilizado por el ser humano para elaborar música fue su propio cuerpo, mediante el empleo de la voz o de la percusión corporal. Así el ser humano descubrió la capacidad de imitar los sonidos de la naturaleza y se encontró ante una nueva forma de expresión. La percusión corporal evolucionaría hacia la realizada golpeando piedras, palos o incluso pieles tensadas. Lamentablemente los restos de estos posibles primeros instrumentos no existen debido a la degradación de los materiales empleados en el caso de las pieles, o a la dificultad de otorgar el carácter de instrumento musical a los restos líticos hallados.  

El primer instrumento musical elaborado por el hombre

Pero si nos centramos en instrumentos musicales elaborados por el ser humano y de los que conservemos restos que prueben su existencia hemos de remontarnos hasta el Paleolítico Superior, donde aparecen los primeros aceptados como tales por toda la comunidad científica y cuya elaboración se debe al Homo Sapiens. Hablamos del hallazgo en Geissenklösterle (Alemania) de dos flautas talladas en cúbito de cisne y una tercera en marfil de mamut, a las que se ha atribuido una antigüedad de 36.000 años y que están enmarcadas dentro de la cultura Auriñaciense.  

La controversia de la flauta de Divje Babe



Flauta de Divje Babe
En el año 1995, el arqueólogo Ivan Turk descubre en la cueva de Divje Babe, en Eslovenia, los restos de lo que puede ser una flauta con una antigüedad datada de 43.100 años, y atribuida no ya al Homo
 Sapiens sino al Homo Neanderthalensis. La hipotética flauta está construida sobre un hueso de oso donde se presentan cuatro agujeros alineados y un quinto en la parte posterior de estos, tal y como tienen las flautas actuales.
Existe controversia al respecto de si es una verdadera flauta o si se trata realmente de un fémur de oso horadado por la actuación de animales carnívoros o roedores. Los partidarios de la hipótesis de que se trata de una flauta, alegan que junto con ella, aparecieron restos de instrumentos puntiagudos que pudieron servir para hacer los agujeros que presenta.Asimismo establecen como improbable que la acción de uno o varios animales pudieran tallar cuatro agujeros prácticamente equidistantes entre sí y con forma circular. Asimismo, tras una reconstrucción de la flauta, se demostró que la misma se ajusta a la escala musical, tal y como se aprecia en el video que se puede observar el siguiente enlace.  

La música prehistórica como forma de arte

Con independencia que la flauta de Divje Babe sea realmente el primer instrumento musical del que se tiene constancia o que sea meramente un hueso al que el azar o el paso del tiempo le ha dado forma de flauta, lo cierto es que la música como lenguaje está presente en todas y cada una de las culturas de las que se tiene referencia. Además, a medida que investigamos en nuestro pasado más remoto, descubrimos como la música como forma de expresión, sigue una evolución paralela al propio lenguaje humano teniendo la misma importancia que éste en el desarrollo de nuestra civilización. Quizá la incógnita que realmente debemos despejar no es cuándo nació la música, sino el momento en el que pasó de ser una forma de comunicación con los dioses o la naturaleza, y alcanzó entidad propia como un arte que aún a día de hoy nos fascina y que consideramos tan imprescindible como el lenguaje oral o escrito.


 

domingo, 6 de octubre de 2013

La muerte de Jimi Hendrix y sus últimos discos

Gracias a la actuación en el Festival de Monterrey y la grabación de un documental del mismo, The Jimi Hendrix Experience se había dado por fin a conocer en Estados Unidos y el propio Jimi empezaba a ser considerado como uno de los grandes guitarristas eléctricos.

Axis: Bold as Love , segundo disco de The Jimi Hendrix Experience

En 1967 la Experience edita su segundo disco, Axis: Bold as love, marcado por la fama que el grupo había cosechado a raíz del festival de Monterrey.

En este disco, Jimi continúa con su búsqueda de nuevos sonidos, grabando íntegramente el mismo, con la afinación de la guitarra disminuida medio tono, lo cuál acabaría convirtiéndose en una seña de referencia del guitarrista.

Si bien este álbum es considerado inferior al anterior, alcanzó el número cinco en las listas británicas

Jimi Hendrix y Noel Redding

y el puesto tercero en las de Estados Unidos.

El álbum sirve para acrecentar aún más el éxito del grupo, aumentando paulatinamente los conciertos que dan a nivel internacional.

Pero el incremento de éxito viene acompañado por un cada vez mayor abuso por parte de Hendrix de las drogas y el alcohol, llevándole a tener problemas legales, como el arresto que sufrió en Estocolmo el 4 de enero de 1968, después de destrozar una habitación de hotel.


Electric Ladyland, el último disco de la Jimi Hendrix Experience

En 1968 y ya encumbrados como uno de los grandes grupos del Rock, se edita el tercer y último disco de la Experience, Electric Ladyland, donde se encuentra a un Hendrix más maduro y experimentado.

La grabación del disco vino marcada por el perfeccionismo que Hendrix pretendía inculcar a cada uno de los temas, desarrollando sesiones de grabación interminables y grabando múltiples variaciones de cada uno de los cortes del disco en la búsqueda de ese sonido perfecto que ansiaba encontrar.

 
Esta forma de trabajo le llevó a un desencuentro con su manager Chas Chandler que tenía una visión más pragmática de la grabación.

Mientras la máxima de Hendrix era la experimentación más absoluta y la grabación de temas largos con solos instrumentales complejos, Chandler se decantaba por canciones más cercanas a los tiempos de la música Pop, es decir de no más de cinco minutos, con menos presencia de partes instrumentales y sin dejar sitio a la experimentación.

Los continuos desacuerdos llevaron a la dimisión de Chas Chandler, a la que le seguiría la del bajista Noel Redding, cansado de la forma de trabajo de Jimi y de su papel en la banda, debido a que no se sentía a gusto en su posición de bajista, siendo como era un guitarrista de un talento indiscutible.

Fin de The Jimi Hendrix Experience y
Woodstock

En 1969 se hace oficial la ruptura definitiva de The Jimi Hendrix Experience y Jimi pasa a unirse a un grupo en el que tocaba su amigo Billy Cox, llamado Gypsy Sun and Rainbows con la que tocó en el emblemático Woodstock en 1969.

La banda tuvo una duración muy breve y pasa a llamarse Band of Gypsies con la incorporación del batería Buddy Miles.

La actuación de Hendrix en el Festival de Woodstock se convirtió en una de las más representativas del mismo, destacando su personal interpretación del himno de los Estados Unidos, The Star-Spangled Banner, simulando con su guitarra sonidos de bombardeos y ametrallamientos, sirenas antiaéreas y otros ruidos propios de la batalla en lo que ha sido interpretado como una crítica a la intervención americana en la Guerra de Vietnam.

Los últimos días y muerte de Jimi Hendrix

Con Band of Gypsies, Jimi también trato de buscar su propio sonido, grabando abundante material de estudio, que ha sido editado después de su muerte.

La banda debutó en el teatro Filmore East de New York el 1 de enero de 1970 y fruto de las cuatro actuaciones que ofrecieron en dos días, se grabó un album en directo llamado Band of Gypsies.

El siguiente show de la banda fue a finales de ese mismo mes en el Madison Square Garden, tras el cual, la banda fue disuelta.



Jimi decidió volver a rearmar The Jimi Hendrix Experience con Mitc Michell a la batería y Billy Cox al bajo y comenzó a trabajar en el que sería su quinto álbum al que llamaría Firts rays of new rising sun, pero que nunca vería publicado debido a su muerte acaecida el 18 de septiembre de 1970, con tan sólo 27 años de edad.

Tras una jam session con Eric Burdon en un bar de Londres, Hendrix regresa a su habitación del Samarkand Hotel, donde se aojaba con su compañera sentimental Monika Dannemann y escribe la letra de su última canción: The Story of Life (slow).

Una vez escrita la canción decide tomarse somníferos para poder dormir y los mezcla con alcohol.
 A la mañana siguiente, Monika trata de despertarle y se da cuenta que ha vomitado durante la noche y que no reacciona.

Llama a su amigo Eric Burdon el cual avisa a una ambulancia, que lo traslada al St. Mary Abbots Hospital, pero ingresa cadáver.

Como ha pasado con muchas otras estrellas, se ha especulado sobre las verdaderas causas de la muerte de Jimi Hendrix, pero lo que si es cierto es su notorio abuso de las drogas y del alcohol a lo largo de su breve pero intensa carrera.

Influencia de Jimi Hendrix

Inestimable es la influencia de este gran guitarrista en generaciones posteriores a pesar de su corta vida, siendo considerado por muchos como el mejor guitarrista de la historia y sus discos como grandes hitos dentro del mundo del Rock n' Roll.

No existe un solo músico que enarbolando una guitarra eléctrica, no haya recurrido en numerosas ocasiones a los acordes de guitarra del gran Hendrix.

Incluso los grandes guitarristas contemporáneos como Steve Vai, Joe Satriani o el inimitable Malmsteen, recurren en sus conciertos a clásicos atemporales de Hendrix, como referencia ineludible de su propio estilo de ejecución.

Nunca sabremos que hubiera sucedido de haber seguido evolucionando como músico y a qué cotas de perfección podría haber llegado, pero lo cierto es que su genio vivirá para siempre dentro de la historia de la música.

Jimi Hendrix, su conversión en estrella internacional



Hendrix el genio
El año 1966 sería el más importante en la vida y en la carrera de Jimi Hendrix. Comienza a ser conocido y respetado como músico en New York con su grupo Jimmy James and the Blue Flames y también comienzan sus coqueteos con las drogas psicodélicas, tan de moda entre los músicos de la época.

Pero lo que marca verdaderamente el punto de inflexión, fue el hecho de conocer a Linda Keith, la mujer de Keith Richards, que puso en contacto a Jimi con el bajista del grupo británico de R&B The Animals, Chas Chandler


The Jimi Hendrix Experience y la fama internacional

Chandler se da cuenta del potencial de Hendrix y le invita a acompañarle a Gran Bretaña donde se ofrece a producirle y a presentarle al que junto con él, será su nuevo manager, Michael Jeffrey.

 A partir de este momento, Chandler se dedica a buscar unos músicos que asistan a Hendrix en su proyecto y después de numerosas audiciones, decide contratar a Noel Redding, que a pesar de ser guitarrista tocaría al bajo y al batería Mitch Mitchell.

Con esta formación nace la Jimi Hendrix Experience que tiene su bautismo en los escenarios en 1966 en la ciudad francesa de Evereux.

Muy pronto, el nuevo sonido que encarnaba el trío y el dominio de la guitarra por parte de Hendrix, Eric Clapton, Brian Jones o Pete Townshend.

Eric Clapton admiraba a Hendrix

empieza a darles a conocer en toda Europa como un grupo innovador, tanto es así que asisten a sus conciertos músicos consagrados como

La primera canción que graba el trío es la versión del blues de Billy Roberts Hey Joe, pasada por el tamiz de la guitarra de Hendrix y su propia interpretación.

 La canción consigue un importante número de ventas así como las que le siguieron, Purple Haze y The Wind Cries Mary. La banda comienza a ser conocida además de por su música por las habilidades y la personalidad de Hendrix sobre el escenario. 


Primer álbum de la Jimi Hendrix Experience y consagración en el mercado norteamericano

En 1967 la banda edita su primer álbum llamado Are you experienced? que llega al número dos en las listas británicas y es considerado uno de los mejores álbumes de debut de la historia del Rock ‘n Roll.

En el disco comienza a verse la vena experimental de Hendrix y su necesidad de encontrar todos los sonidos que la guitarra le podía ofrecer, así como una innovadora técnica nunca vista hasta entonces en ningún guitarrista.

Todos los temas, excepto Hey Joe, fueron compuestos por el propio Jimi, que empieza a destaparse como un gran compositor.


De todos modos, Hendrix sentía la necesidad de triunfar en su país natal y la oportunidad le vino de la mano de su participación en el Monterey International Pop Festival, invitados por Paul McCartney en junio de 1967.

El evento fue celebrado en Monterrey, California y para muchos es considerado como el concierto que daría lugar al posterior de Woodstock y que iniciaría el movimiento contracultural denominado Hippie.

El evento se desarrolló ante más de 200.000 personas y a pesar de que los artistas tocaban gratuitamente, Hendrix consiguió la que sería considerada por muchos, como la mejor actuación en directo de su carrera.

Jimi demostró sus habilidades con su guitarra stratocaster tocando de manera magistral, la misma con los dientes, sobre su espalda o contra un amplificador logrando un brutal acople, decidiendo al final incendiarla sobre el escenario y posteriormente esparciendo sus restos entre el público.

Esta actuación de la Experience y concretamente de Hendrix, dejó impresionado al público y marcó unos de los momentos imprescindibles de la historia del Rock, elevando la banda a la categoría de mítica y consiguiendo que su fama se extendiera como la pólvora a lo largo de la geografía estadounidense, a lo cual también contribuyó la grabación de un documental donde quedaron registradas todas las actuaciones del Festival.

Jimi Hendrix sus comienzos y su conversión en genio de la guitarra eléctrica

Jimi Hendrix y su Stratocaster
James Marshall «Jimi» Hendrix, nació como Johnny Allen Hendrix el 27 de noviembre de 1942 en Seattle (EE.UU.).

Sus padres sustituyeron su nombre originario por el de James Marshall Hendrix en honor a su hermano fallecido.

 Jimi Hendrix lo tenía todo para no haber sido nadie; era hijo de una madre nativa americana y un padre afroamericano en una época donde la segregación racial aún era una triste realidad.

Nació en el seno de una familia humilde y su educación como músico fue inexistente.

A pesar de tenerlo todo en contra y de que su vida fuese truncada a una edad muy temprana, Jimi Hendrix es considerado en la actualidad uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos y sin duda la influencia más citada por los guitarristas eléctricos que le siguieron.

Inicios en la música de Jimi Hendrix

Desde muy temprana edad Jimi mostró interés por la música y más concretamente por la guitarra.

Tanto es así, que ante la imposibilidad de adquirir el instrumento, ensayaba horas y horas con el palo de una escoba y su imaginación.
Ante ello su padre decide regalarle un ukelele de una sola cuerda que había encontrado limpiando su garaje. No será hasta los 14 años que por la cantidad de cinco dólares, adquiere su primera guitarra acústica comprándosela a un amigo de su padre.

Nunca recibió formación musical, ni aprendió a leer sus acordes, pero su necesidad de expresarse a
través de la música, le llevó a imitar a sus intérpretes preferidos como Muddy Waters, B.B. King o Chuck Berry, entre otros.

Con sólo 13 años comienza a tocar en diversas bandas locales debido a su innata destreza a la guitarra y un año más tarde, coincidiendo con la muerte de su madre, su padre le regala la que sería su primera guitarra eléctrica, una Supro Ozark blanca con la que siguió tocando en diversas grupos.

Siempre fue un chico problemático y el punto de inflexión en su vida vino marcado por su detención en 1961 al conducir un coche robado.
 En ese momento el juez le dio dos opciones, o ingresar en prisión o alistarse en el ejército. Jimi optó por la segunda de ellas.


La eterna Fender Stratocaster de Hendrix
Aprendizaje musical de Jimi Hendrix

La disciplina militar nunca encajó completamente con el carácter de Hendrix, ya completamente decidido a dedicarse profesionalmente a la música siendo consciente de su propio virtuosismo a la guitarra.

Así que abandona el ejército después de declararse homosexual para ocasionar su expulsión, aunque la causa con la que consiguió su objetivo fue una lesión de espalda presuntamente causada por un salto en paracaídas dentro del ejército.

En 1962 forma su primer grupo serio junto a su amigo Bily Cox, al que había conocido en el ejército, llamado los King Casuals actuando en diversos locales en Tennessee.

Durante los tres años siguientes, Jimi llevó una vida nómada compaginando sus actuaciones como guitarra de los King Casuals y de otros grupos como músico de soporte, para más de cuarenta bandas de Rhythm and Blues en el Chitlin' Circuit, que eran un grupo de locales repartidos por toda la geografía estadounidense, en los cuáles les era permitida la expresión a los artistas e intelectuales afro-americanos en el periodo de la segregación racial estadounidense.

Durante esta época Jimmi conoció a músicos ya consagrados como Ike & Tina Turner, Curtis Knight & the Squires, Little Richards, Sam Cooke o los Isley Brothers.

Madurez musical de Jimi Hendrix

En 1964, Jimi decide mudarse a New York, concretamente al barrio de Harlem porque empieza a estar cansado de ser un músico de acompañamiento.

En su interior sabe de su virtuosismo y se siente capacitado para iniciar una carrera al frente de un grupo propio. Comienza a tocar en clubs, pero sin conseguir aun formar su propia banda, se une a Curtis Knight and the Squires en 1965.

Todas y cada una de las experiencias como músico van curtiendo a un joven Jimi que comienza a desarrollar una personalidad propia sobre los escenarios.

 Jimmy James and The Blue Flames

En 1966 se rebautiza como Jimmy James y forma los Blue Flames, integrados por Randy Wolfe a la guitarra de acompañamiento, Randy Palmer al bajo y Danny Casey a la batería. Hendrix se constituye como el líder indiscutible de la banda empezando ya sus propias canciones y erigiéndose en cantante de la misma.
Durante ese tiempo ya empiezan a ser conocidos en el circuito de bares neoyorkinos, teniendo especial relevancia el Café Wha? donde conoce a músicos importantes, entre ellos a Frank Zappa.

El año 1966 empieza a convertirse en el mas importante de la vida de Jimi y supondrá la vuelta de tuerca más relevante en su carrera.

lunes, 19 de agosto de 2013

El Blues, la música del alma. Origen y características del Blues



David 'Honeyboy' Edwards, Bluesman fallecido en 2011
El Blues tal y como lo conocemos actualmente, nació con la emancipación de los esclavos negros en Estados Unidos en una fecha que podemos situar entre los años 1870 y 1900, y en un lugar comprendido entre los estados de Mississippi, Louisiana, Georgia y Alabama.
 
Primeros documentos del Blues
 

Una de las primeras partituras BLUES
Las primeras constancias gráficas que tenemos de este sonido son algo posteriores, concretamente, la primera partitura con música Blues de la que se tiene referencia, data de 1912 y es Dallas Blues de Hart Wand y la primera grabación se realizó en 1920 y es Crazy Blues de Mamie Smith.

Si bien las verdaderas raíces de este sonido se remontan aún más atrás en la historia, concretamente al año 1619, con el desembarco de los primeros esclavos negros en Jamestown (Virginia).


Las raíces africanas del blues

La historia del Blues comienza con la llegada de los primeros hombres de raza negra traídos sobre todo desde la costa oeste de África, como mano de obra esclava para el cultivo de las extensas explotaciones agrícolas existentes en la parte sur de Estados Unidos.

Estas personas esclavizadas, junto con el miedo, la rabia y la desesperación, portaban un folclore y una cultura que se transformaba en canciones, expresión de todos estos sentimientos mezclados con el desarraigo que experimentaban.

Estas canciones se basaban en el patrón de la llamada y respuesta, muy utilizado en rituales religiosos o reuniones públicas de su continente de origen.

En su nuevo destino, los esclavos utilizaban la música durante las largas jornadas de trabajo; así una persona cantaba un verso y el resto de los trabajadores lo repetían formando un coro.


Con el paso del tiempo sus cantos van adquiriendo las influencias musicales importadas por los colonizadores europeos, comenzando a dejar de lado los dialectos africanos y empezando a utilizar cada vez más la lengua del colonizador, el inglés.



El fin de la esclavitud y el nacimiento del Blues

El fin de la Guerra de Secesión en 1865 marca también el
fin de la esclavitud y la incorporación paulatina de los antiguos esclavos a la vida del hombre blanco, influyendo respecto a la música en la posibilidad de utilizar los instrumentos que estos últimos habían importado del continente europeo.

De este modo la voz ya no será la única herramienta utilizada para elaborar su música, sino que comienza a tomar forma la figura del cantante de Blues acompañado de su guitarra, así nace la figura del Bluesman.

A partir de ese mismo instante el Blues se desarrolló de tal modo que todos y cada uno de los géneros posteriores le deben su influencia, desde el Rock al Hip Hop, pasando por el Heavy Metal o el Pop.


Características que definen al Blues

Hay una serie de características comunes que definen el Blues como género a pesar de que las mismas han ido evolucionando con el tiempo y adaptándose a cada uno de los artistas que lo han interpretado e interpretan, pero como líneas básicas podemos referir las siguientes:



 
  • Lo que inicialmente define al Blues es que se trata de un género basado en una narración vocal solista acompañada por uno o varios instrumentos, predominando los de cuerda.

  • Las letras esconden un trasfondo triste, dedicándose casi siempre a sentimientos de pena, angustia o pesimismo y aportando desde sus comienzos un toque realista a las composiciones. Ello no obsta para que podamos encontrar canciones con letras religiosas, cómicas e incluso sexuales.




  • El instrumento predominante es la guitarra empleando de manera habitual técnicas como el slide y haciendo uso del vibrato y el bending.

  • También se utilizan el bajo, la batería, la armónica, el piano, y con su evolución cada vez ganan más importancia los vientos.

  • La canción consta de estrofas de tres versos, repitiéndose uno de ellos dos veces y cerrando la frase el tercero.

  • Su estructura habitual se basa en doce compases y tres acordes que se repiten a lo largo de la composición.


  • Evolución del Blues


    Si bien, el Blues nació como una forma de expresión de la comunidad negra en Estados Unidos y como un tipo de música informal, en su constante evolución fue interpretado por músicos de raza blanca y convertido en un género musical ampliamente respetado.

    Actualmente es un género universal y necesario para la comprensión de cualquiera de los estilos musicales de los siglos XX y XXI.

    Cabe destacar a grandes intérpretes de la historia del blues como Muddy Waters,
    Robert Johnson, Bessie Smith, Ray Charles o Eric Clapton, a pesar de que la lista es tan grande que sería imposible resumirla en estas líneas.
    La mejor manera de conocer este estilo es adentrándose en las composiciones musicales que han existido y dejarse llevar por su ritmo, su letra y su sentimiento.

     

    viernes, 9 de agosto de 2013

    Cómo realizar el mantenimiento de tu guitarra eléctrica


     
    Gibson Les Paul
     
    Cuando somos poseedores de una guitarra eléctrica, hemos de tener en cuenta que estamos ante un verdadero instrumento de precisión, debidamente calibrado y ajustado para desarrollar el sonido preciso.

    Para su conservación es necesario tener en cuenta una serie de consejos que van más allá de una afinación regular, por ello y sin ser exhaustivos, mostraremos los puntos principales a tener en cuenta.

    
    Consejos de conservación de la guitarra eléctrica

    Existen unas normas muy sencillas a seguir que alargaran la vida útil de nuestra guitarra:

    1. Guardar la guitarra en un estuche rígido cuando no se esté usando.
    2. Nunca dejarla cerca de fuentes de calor, como estufas.

    3. Si el ambiente es muy seco, es conveniente utilizar algún tipo de humidificador.

    4. Evitar los cambios bruscos de temperatura.
    5. Anclar la correa a los colgadores instalados en la caja nunca a la cejuela.

    Partes de la guitarra eléctrica
    6. Limpiar las cuerdas de la guitarra y la guitarra misma después de su uso eliminando los posibles restos de suciedad y sudor con un paño seco.
    7. Al conectarla al amplificador, conectar primero el jack de la guitarra para evitar sonidos desagradables.

    8. Conectar la guitarra a equipos fiables y con toma de tierra.
    9. Evitar salpicaduras de bebidas alcohólicas pues pueden afectar a la madera; si esto ocurre limpiar inmediatamente con un paño seco.

    Estos son los consejos básicos para su cuidado diario, pero dependiendo del uso que le demos hay que hacer una revisión del instrumento entre una y dos veces al año fijándonos en varios puntos básicos detallados a continuación.


    Las cuerdas de la guitarra eléctrica
    Eric Clapton y su Fender Stratocaster
    Las cuerdas sufren deterioro por el uso, por el sudor de las manos del intérprete e incluso por el paso del tiempo al estar sujetas a una tensión continua.
    El consejo fundamental es cambiar las cuerdas cuando se aprecien los primeros defectos de sonido, pérdida de brillo de la cuerda o signos de oxidación.

    Como referencia general, sería importante dicho cambio al menos cada tres meses, aunque el plazo puede variar, siendo en el caso de los guitarristas profesionales, después de cada actuación.
    Consejos para el cambio de cuerdas:



  • La guitarra viene ajustada con el calibre de las cuerdas iniciales, con lo que es conveniente, para evitar problemas de afinación montar unas del mismo calibre. En caso contrario sería necesario un reajuste de la tensión del mástil.

  • Las cuerdas han de cambiarse de una en una, para mantener la tensión del mástil.

  • Al cambiar la cuerda hay que dar al menos una vuelta al poste
    Jimi Page con su Gibson de doble mástil 

    de la clavija, antes de introducirla por el agujero del mismo.

  • Utilizar cuerdas específicas para guitarra eléctrica, entorchadas en níquel.

  • Comprobar la altura de las cuerdas, pues si están muy bajas cerdeará pudiendo llegar a rozar los imanes de las pastillas y si están muy altas será complicada de tocar. Las medidas de referencia se toman en el traste doce y van desde 2mm para la sexta cuerda hasta 1,5mm para la primera.


  • Ajuste de octavación en la guitarra eléctrica

    El ajuste de octavación lo que pretende es que la guitarra esté afinada a lo largo de todo el mástil.
    Las guitarras eléctricas suelen tener un ajuste individual para cada cuerda con lo que los pasos a seguir son:
     

  • Lo primero es afinar cada una de las cuerdas al aire.

  • Después hacer sonar la nota en el traste 12 (octava de la nota que emite la cuerda al aire) y comprobar que es la misma que suena sin pisar la cuerda.

  • Si la nota está por arriba, habría que alejar la selleta del puente y si está por abajo acercarla al puente, de tal manera que ambas notas sean iguales.


  • Ajuste del alma de la guitarra eléctrica
     
    El alma, es una varilla de metal que va dentro del mástil de la guitarra y sirve para corregir la curvatura de éste.

    La tensión constante de las cuerdas sobre el mástil pueden hacer que se curve y la manera de corregirlo es ajustando el alma.

    Para realizar esta operación hay un tornillo accesible a través del clavijero de la guitarra.
    Este ajuste es muy delicado y puede generar daños permanentes en la guitarra, por lo que si no se está muy seguro, es conveniente llevar la misma a un profesional (Luthier); no obstante indicaremos unos consejos básicos:

     - Para comprobar si la curvatura es la correcta, se debe pulsar la sexta cuerda en el primer traste y a la vez en un traste agudo como por ejemplo el 13.
     
    - Observamos la distancia entre la cuerda y la varilla del traste en el punto intermedio (traste 7) debiendo ser esta de 0,25 mm.
    - Si la distancia es mayor, el mástil es demasiado cóncavo y deberíamos apretar el alma girando el tornillo en el sentido horario.
    - En caso contrario, habríamos de realizar la operación inversa puesto que el alma del mástil estaría excesivamente apretada y la tensión de las cuerdas no corrige la curvatura.


    Últimos consejos para el mantenimiento de tu guitarra 
    eléctrica
    

    
    The Log (El leño), primera guitarra eléctrica
    Como conclusión y consejo final, es imprescindible llevar un correcto mantenimiento de nuestro instrumento para poder disfrutar de su música el mayor tiempo posible, aunque va a ser nuestra propia guitarra la que nos avisará de que algo falla cuando su sonido no sea el idóneo. 
    Arriba se explican unos consejos muy básicos a seguir, no obstante si quieres mantener tu guitarra siempre en óptimas condiciones, la mejor solución es dejarla al menos una vez al año, en manos de un Luthier, que es el profesional y artesano que te garantizará un correcto ajuste de la misma.

    lunes, 29 de julio de 2013

    Las notas musicales y los acordes, breve introducción teórica



     
    
    Las notas musicales en el teclado del piano
    Existen siete notas musicales que son, Do, Re, Mi, Fa, Sol, La y Si, que en la notación americana son denominadas, C, D, E, F, G, A y B.

    El conocimiento de las notas musicales y su lógica de formación, son básicas para poder llegar a tocar cualquier instrumento musical, bien sea una guitarra, un violín, un bajo o una simple armónica dado que nos llevará a una mejor comprensión del funcionamiento de cualquiera de ellos.

    La unidad básica armónica, el semitono

    Sin entrar en detalles demasiado complejos, podemos definir el semitono como la distancia menor que existe entre dos notas por contraposición al tono, que es la distancia máxima entre éstas y está formada por dos semitonos.

    Para una representación más gráfica, el semitono es la distancia que encontramos entre un traste y el siguiente en una guitarra o entre dos teclas de un piano.

    Trasladando lo dicho a las notas musicales, cabe decir que entre una y la siguiente, existe un tono de distancia, excepto de Si (B) a Do (C) y de Mi (E) a Fa (F) donde sólo existe un semitono.



    Las alteraciones sobre las notas básicas: sostenidos y bemoles

    Una vez conocidas las distancias entre las notas, hay que hacer referencia a los sostenidos y los bemoles que son alteraciones de las siete notas naturales.

    Como primer acercamiento cabe decir que una nota bemol baja un semitono la nota natural, mientras que un sostenido la eleva.

    La representación gráfica para el bemol es una b al lado de la nota y de un sostenido es #.

    Como ejemplo práctico para una mejor comprensión tomemos la escala natural de Do, teniendo en cuenta las distancias de tonos y semitonos entre sus notas que sería como sigue:

    Do -1 tono - Re - 1 tono- Mi -1/2 tono - Fa - 1 tono- Sol -1 tono- La - 1 tono- Si

    Esta es la escala básica que comienza en Do, pero imaginemos que queremos construir una escala comenzando en Sol.



    Tablatura de guitarra con notas naturales
    Para ello hemos de mantener el esquema de distribución de tonos y semitonos, pero si nos fijamos, entre Mi y Fa, debería haber un tono a pesar de que hemos dicho que esas notas están separadas por un semitono.

    Aquí es donde entran en juego los sostenidos, ya que hacemos un Fa# subiendo medio tono la nota y aumentando la distancia entre Mi y Fa.

    Gráficamente quedaría de la siguiente manera:

    Sol -1 tono- La - 1 tono- Si -1/2 tono- Do -1 tono - Re - 1 tono- Mi - 1 tono - Fa#

    El caso de los bemoles es similar y su representación gráfica en una escala iniciada por Fa sería:

    Fa -1 tono- Sol -1 tono- La - 1/2 tono- Sib -1 tono- Do -1 tono - Re - 1 tono- Mi




    La construcción de acordes

    De modo muy básico, definimos el acorde como la ejecución de tres o más notas tocadas simultáneamente.

    Se pueden observar de forma clara si contemplamos a un músico tocando una guitarra, cuando con su mano izquierda adopta determinadas posiciones en el mástil y rasguea con su mano derecha varias cuerdas a la vez; eso es un acorde.


    Las notas musicales


    En todo acorde, existe una nota tónica que marca el tono del mismo y las distancias entre las notas del acorde o intervalos.

    Existen acordes mayores y menores siendo su definición:

    1. Ac
    orde Mayor: existe como norma básica, cuando la diferencia entre la nota tónica y su tercera es de dos tonos. Por ejemplo el acorde mayor de Do, se construye con las notas Do (tónica), Mi (Tercera) y Sol (Quinta); así la distancia entre Do y su tercera Mi, es de dos tonos.

    2. Acorde Menor: siendo muy simplistas, es aquél que entre su nota tónica y su tercera tiene un tono y medio. Así el acorde menor de Do se construye con un Do como nota tónica, un Mib como tercera y un Sol como quinta.

    Hay que tener en cuenta que la explicación que antecede es básica y rudimentaria siendo mucho más compleja y portando variados matices, tanto la
    construcción de acordes como la teoría armónica, pero con estos primeros conceptos se puede llegar a una primera toma de contacto con la teoría musical.


     



     




    domingo, 28 de julio de 2013

    Charlie Christian. El primer gran guitarrista eléctrico.



    Charlie Christian
    La vida de Charlie Christian se inició un 29 de julio de 1916 en Bonham, Texas (EE.UU) y creció con la influencia de su padre, Clarence Henry Christian, un guitarrista y cantante de blues muy respetado por la comunidad.
    Tanto él, como sus dos hermanos mayores (Edward y Clarence) fueron iniciados en los arcanos de la música desde su más tierna infancia.



    Inicios en la música de Charlie Christian
    Sus comienzos como músico, fueron ayudando a su padre en conciertos callejeros donde junto con sus hermanos, ofrecía improvisaciones de baile.
     
    No fue hasta los 12 años, cuando con la muerte de su padre, decide empezar a utilizar la guitarra que éste le había dejado en herencia.
    Charlie compaginó sus actuaciones con sus estudios en la Douglass School de Oklahoma, donde su profesora y también música Zelia Breaux contribuyó a la formación del joven Christian.
    Desarrollo de su habilidad musical
    En su adolescencia comienza a colaborar con diversos grupos locales, entre ellos el formado por sus hermanos junto con el pianista Alphonso Trent donde toca el contrabajo.
    Durante este tiempo sus hermanos le enseñaron técnicas de improvisación en la guitarra sobre tres únicas canciones muy conocidas de la época, Tea for Two, Sweet Georgia Brown y Rose Room consiguiendo un dominio absoluto de los temas en muy poco tiempo.
    El virtuosismo del joven Charlie se destaparía al participar en 1936 en una "jam session" en Kansas, donde no sólo deja sorprendido al auditorio, sino que derrota a los demás guitarristas, entre los que se encontraba el considerado mejor de la época, el gran Jim Daddy Walker.
    Inicios con la guitarra eléctrica
    El contacto inicial con la guitarra eléctrica que marcaría a Charlie Christian y con ello a la historia del Jazz, tiene lugar en 1937 cuando conoce a Eddie Durham, el primer músico que utilizó la guitarra amplificada en la grabación del disco con la Jimmi Lunceford's band en 1935.
    A partir de ese momento Charlie se dio cuenta de las posibilidades sonoras que ofrecía este nuevo tipo de instrumento y se dedicó día y noche a desarrollar su sonido, creando fraseos que artistas posteriores como Wes Montgomery, Herb Ellis o Kenny Burrell utilizaron con profusión en sus composiciones.
    Consagración como músico
    En 1939, Charlie entra a formar parte de la orquesta de Benny Goodman después de que se lo presentase el cazatalentos John Hammond, descubridor entre otros de Bob Dylan o Aretha Franklin.

    Christian, a pesar de las reticencias iniciales de Hammond, decide demostrar sus dotes a la guitarra interpretando la canción Rose Room e improvisando sobre ella durante una actuación que duró 48 minutos en el restaurante Víctor Hugo de Los Ángeles.
    La unión entre Goodman y Christian logró llevar el Jazz a otro nuevo status dando a la guitarra una influencia predominante sobre las composiciones.
    En 1940, Charlie ya era considerado uno de los mejores guitarristas de Jazz, tanto es así que en febrero de ese mismo año fue elegido por los lectores de la revista especializada en Jazz, Metronome Magazine, para formar parte de los Metronome all-stars, donde se elegía a los mejores músicos de cada instrumento para realizar una grabación en estudio.
    Asimismo, Charlie compaginaba sus actuaciones con la orquesta de Benny Goodman, con la participación en jam sessions en el Minton’s Playhouse de Harlem, donde él y otros músicos dejaban fluir su creatividad sobre el escenario transformado de múltiples maneras el lenguaje del Jazz. En estas sesiones, surgió el nuevo sonido del Jazz, llamado Be-Bop, del que Christian fue uno de los precursores y que alcanzaría fama de la mano de Charlie Parker y Dizzy Gillespie en los años 40.
    El final de Charlie Christian
    Charlie dedicaba completamente su vida a la música, de tal manera que su único interés se centraba en tocar, componer e improvisar.
     
    Este estilo de vida junto con una alimentación deficiente, llevaron a su fallecimiento el 2 de marzo de 1942, cuando sólo contaba con 25 años, como consecuencia de la tuberculosis que había contraído durante la infancia.


    Influencias de Charlie Christian
    Django Reindhart, influencia de Charlir Christian
    Las influencias de Charlie Christian a la hora de tocar la guitarra la constituyen músicos como Lester Young y Herchel Evans porque su intención era conseguir que la guitarra sonase como un saxo tenor, por ello se alejaba de los guitarristas de la época como Django Reindhart y trataba de desmarcarse de su forma de interpretación de la música.
    Su idea era que la guitarra pasase de ser un mero instrumento de acompañamiento para convertirse en uno solista marcando su propio protagonismo dentro de las bandas de Jazz. Su prematura muerte no ha impedido que su estela sea seguida y se reconozca su legado en grandes guitarristas como Oscar Moore, Les Paul, Wes Montgomery o Chuck Berry.
    Chuck Berry fue influenciado por Charlir Christian
    Pero su huella no sólo se aprecia en el mundo de la guitarra, sino que otros músicos como Charlie Parker o Thelonius Monk han reconocido que su estilo bebe de las fuentes del gran Charlie Christian.
    Si en una carrera profesional que realmente sólo duró dos años, desde su incorporación a la orquesta de Benny Goodman, Christian fue capaz de sentar las bases de nuevas formas de entender la guitarra y la música Jazz, siempre quedará la frustración  de que nunca llegaremos a saber hasta donde hubiera podido llegar, si la muerte no lo hubiera reclamado tan pronto.